La Pop Art provocatoria e surreale di Mel Ramos

Mel Ramos, Della Monty, 1972. Courtesy Galerie Gmurzynska

Nato a Sacramento nel ‘35 da una famiglia portoghese, Mel Ramos, fu uno dei primi artisti Pop. Si distinse dai colleghi della east-coast per il colore californiano e una certa libertà rappresentativa, ma soprattutto per aver rivisitato, con insistenza, il tema del nudo femminile in chiave pop.

Aveva esplorato l’astrattismo per poi dedicarsi ad opere figurative. Fu allievo e poi amico di Wayne Thiebaud (che di Ramos si è spinto a dire: “Farò una dichiarazione molto audace e dirò che Mel è un pittore molto più importante, interessante e più grande di Andy Warhol"), ma ebbe un rapporto molto stretto anche con Roy Lichtenstein. Di cui in seguito raccontò : “Ero a New York con un mio amico che si chiama Roy Lichtenstein, la cui fidanzata all'epoca lavorava nella mia galleria. E quando ero a New York […] di solito stavamo da lui nel suo loft. E andavamo a cena fuori e parlavamo di arte e di vita".

Dipingeva i personaggi dei fumetti (fu uno dei primi a farlo) e bellissime ragazze nude che affiancava ai prodotti di consumo. Queste ultime, sbucavano dal fondo monocromo, privo di profondità, per nascondersi (ma mai più di tanto) dietro a bottiglie di ketchup o tubetti di dentifricio, facendo il bagno in enormi coppe di Martini o emergendo da banane e pannocchie.

La maggior parte di queste rappresentazioni era ingenuo e le donne di Ramos troppo stereotipate per essere pensate come esseri reali. Altre immagini, però, erano meno candide, ai limiti della pornografia.

In generale, le signore ammiccanti nei dipinti di Ramos, ricordano le pin-up della pubblicità degli anni ‘50-’60 del secolo scorso. Quindi le sue opere possono essere viste come un commento critico al consumismo. Ed in effetti, così vennero interpretate all’inizio. Ma con il tempo, e l’affermarsi dei movimenti femministi, il lavoro dell’artista venne guardato meno benevolmente dalla critica, che cominciò a sottolineare come le donne nei lavori di Ramos si facessero oggetti. Un critico donna, negli anni ‘70, parlò apertamente di natura feticista e umiliante dell’immagine femminile nella sua opera.

Ramos si giustificò in vari modi nel corso del tempo, ma sempre negando queste letture. Diceva che le donne apparivano così nel suo lavoro, perchè per lui, in quanto uomo, erano oggetto di desiderio.

D’altra parte, se Thiebaud, dipingeva file di cheese cakes o apple pies pronte al consumo, invece di mazzi di fiori o quant’altro fino ad allora aveva definito la Natura Morta, non era strano che Ramos sostituisse le modelle in carne ed ossa con le loro rappresentazioni deformate da un nuovo immaginario collettivo. A loro volta tramutate in merci.

"Non credo che i dipinti parlino di erotismo e non credo che siano dipinti erotici. Penso che abbiano a che fare con un'intera idea sociale che viene perpetuata e alimentata. I dipinti si concentrano semplicemente su quella condizione sociale, non necessariamente la confermano o la negano".

In compenso, va detto che le donne di Ramos, anche quando hanno il volto di personaggi famosi (da Marilyn a Uma Thurman), non sono affatto realistiche. A cavallo tra le conigliette di Play Boy e le rappresentazioni dei fumetti, sono strettamente bidimensionali anche quando di dimensioni ne hanno tre. Oltre ad essere un pò kitch.

Lui parlando in generale della sua opera, negli anni ‘80 ha spiegato: "Il mio lavoro è radicato nel Surrealismo, sicuramente (...) Ogni serie di dipinti che ho fatto sembra avere come tema centrale e pervasivo questa nozione di congiunzione, cioè di un simbolo con un altro simbolo". 

Sia come sia, i nudi di Ramos anticipano certe soluzioni adottate in seguito da Jeff Koons e, dietro la loro apparente leggerezza, si fanno carico del peso di una società lacerata da un cambiamento dei costumi inesorabile e psicologicamente violento. Adesso la sua opera è conservata in importanti collezioni tra le quali quella del Guggenheim Museum di New York, del MoMa di New York, del MOCA di Los Angeles, del Museum Moderner Kunst di Vienna e del Whitney Museum of Art (ancora New York).

Per qualche inesplicabile ragione, l’opera di Mel Ramos, è stata sempre particolarmente apprezzata in Germania. Forse anche per questo, la sede di Zurigo della famosa Galerie Gmurzynska, gli ha dedicato un’ampia mostra. Intitolata, “The Suspence is Terrible, I Hope it will Last: Mel Ramos”, mette in fila quattro dipinti e ben undici sculture (alcune opere sono iconiche). L’esposizione è stata, inoltre, organizzata in contemporanea con la retrospettiva di Wayne Thiebaud alla Fondation Beyeler, nella non lontana Basilea ed è accompagnata da un bel catalogo. Si concluderà il 31 maggio.

The Suspence is Terrible, I Hope it will Last: Mel Ramos Installation view. Courtesy Galerie Gmurzynska

The Suspence is Terrible, I Hope it will Last: Mel Ramos Installation view. Courtesy Galerie Gmurzynska

The Suspence is Terrible, I Hope it will Last: Mel Ramos Installation view. Courtesy Galerie Gmurzynska

The Suspence is Terrible, I Hope it will Last: Mel Ramos Installation view. Courtesy Galerie Gmurzynska

The Suspence is Terrible, I Hope it will Last: Mel Ramos Installation view. Courtesy Galerie Gmurzynska

Mel Ramos, Peek a Boo Blonde, 1988. Courtesy Galerie Gmurzynska

The Suspence is Terrible, I Hope it will Last: Mel Ramos Installation view. Courtesy Galerie Gmurzynska

Mel Ramos in his studio Courtesy Galerie Gmurzynska

I fiori e le zucche inquietanti e giocosi di Yayoi Kusama (più una nuova "Infinity Mirror Room") sono in mostra a New York

"Yayoi Kusama: I Spend Each Day Embracing Flowers"Installation view.  David Zwirner Gallery. All photos © David Zwirner Gallery

Nata in Giappone nel ‘29, a 93 anni, Yayoi Kusama, non si ferma un attimo. E mentre i negozi di Louis Vuitton di tutto il mondo, continuano a celebrare la seconda collaborazione della casa di moda con la famosa artista, Kusama, è già impegnata in un’estesa mostra alla David Zwirner Gallery di New York. Si intitola: "I Spend Each Day Embracing Flowers" ed è la più grande esposizione mai realizzata da Kusama in una galleria commerciale (occupa tutti e tre i numeri civici in cui si divide l’ampia palazzina di Zwirner ed è completamente composta da opere nuove). Tuttavia non è il suo primo show di questi mesi, e precede di nemmeno 30 giorni l’importante retrospettiva "Yayoi Kusama: 1945 to Now", che, dal 6 giugno, le dedicherà il Guggenheim di Bilbao in Spagna.

Ad ogni modo, "I Spend Each Day Embracing Flowers", non sembra risentire della fitta agenda di Kusama, e mette in fila due gruppi di sculture monumentali, decine di dipinti e una nuova “Infinity Mirror Room” (a queste stanze immersive, tempo fa, aveva dedicato una mostra lo Hirshhorn Museum and Sculpture Garden di Washington, che poi era stata portata in giro per tutti gli Stati Uniti tanto era l’interesse). L’artista, che dal ‘57 al ‘72 visse nella Grande Mela, ha anche condiviso con il pubblico della mostra di New York un messaggio: "I’ve Sung the Mind of Kusama Day by Day, a Song from the Heart./ O Youth of Today, Let Us Sing Together a Song from the Heart of the Universe!" (che in italiano si traaduce più o meno così: "Ho Cantato la Mente di Kusama Giorno per Giorno, una Canzone dal Cuore. / O Giovani di Oggi, Cantiamo Insieme una Canzone dal Cuore dell'Universo!”). In cui sembra far riferimento, parlando della sua mente come di altro da se, alle allucinazioni di cui soffre fin da bambina (dal suo ritorno in Giappone negli anni ‘70 risiede in una struttura per la salute mentale, da cui esce ogni o giorno per andare nel suo studio a lavorare) .

Molti dei motivi iconici di Kusama, infatti, sono nati da visioni, oltre che da frammenti di ricordi infantili. La ripetizione ossessiva dei pois, ad esempio (che come fa giustamente notare la galleria unisce suggestioni “microscopiche e macroscospiche”), ha origine nella paura dell’artista di essere cancellata, insieme a tutto intorno a lei, da una massiccia schiera di puntini. E, sempre per lo stesso motivo, non si può prescindere dal Surrealismo quando si elencano i movimenti (come Pop Art e Minimalismo) che hanno influenzato l’opere di Kusama, senza tuttavia definirlma completamente.

La mostra di New York si apre con tre monumentali sculture che rappresentano dei coloratissimi fiori. Si chiamano "I Spend Each Day Embracing Flowers" (2023) e hanno dato il titolo all’esposizione. Ispirate all’amore dell’artista per la natura, sono composte da forme curvilinee che serpeggiano qua e là, imprimendo curiose torsioni ai fiorelloni multicolori, riccamente decorati. Questi ultimi, da parte loro, non sembrano del tutto amichevoli: giganti, sovrastano lo spettatore e ne catturano il riflesso tra i toni innaturali e fin troppo giocosi dei petali e delle foglie. E poi, i loro pistilli, assomigliano vagamente a delle grandi zanne. Non a caso, Kusama, con queste opere vuole sottolieare il paradossale ruolo celebrativo che la società umana assegna ai fiori, usati allo stesso modo per eventi felici e tragedie.

E poi ci sono le zucche. Grandi, tentacolari, psichedeliche, che qui assumono contemporaneamente le forme di un muro, un labirinto ed avvolgenti spire. Un luogo in cui perdersi certo ma anche di smarrimento. Del soggetto Kusama ha detto: “Le zucche mi sono state di grande conforto sin dall’infanzia; mi parlano della gioia di vivere. Sono umili e divertenti allo stesso tempo, e le celebrerò e celebrerò sempre nella mia arte”.

La nuova “Infinity Mirror Room”, invece, si intitola "Dreaming of Earth’s Sphericity, I Would Offer My Love" (2023) ed ha la particolarità di unire luce naturale e artificiale per far provare allo spettatore una sensazione di straniamento e meraviglia. Si tratta, come sempre, di un’installazione immersiva, che però possedendo delle seppur ingannevoli finestre, può essere circumnavigata prima di varcare la sua soglia. All’interno, colori vivissimi e tanti specchi (colorati e non, di forme diverse), fanno perdere allo spettatore il senso dello spazio e del proprio corpo spingendolo a forza in un universo alternativo.

"Yayoi Kusama: I Spend Each Day Embracing Flowers" rimarrà alla David Zwirner Gallery di New York fino al 21 luglio, mentre "Yayoi Kusama: 1945 to Now" al Guggenheim di Bilbao andrà in scena dal 6 giugno all’8 ottobre 2023 . Ma dal 17 novembre 2023 al 14 gennaio 2024 l'artista originaria di Matsumoto sarà anche in Italia, al Palazzo della Ragione di Bergamo, con la mostra "Yayoi Kusama. Infinito Presente"

"Yayoi Kusama: I Spend Each Day Embracing Flowers"Installation view.  David Zwirner Gallery

"Yayoi Kusama: I Spend Each Day Embracing Flowers"Installation view.  David Zwirner Gallery

"Yayoi Kusama: I Spend Each Day Embracing Flowers"Installation view.  David Zwirner Gallery

"Yayoi Kusama: I Spend Each Day Embracing Flowers"Installation view.  David Zwirner Gallery

"Yayoi Kusama: I Spend Each Day Embracing Flowers"Installation view.  David Zwirner Gallery

"Yayoi Kusama: I Spend Each Day Embracing Flowers"Installation view.  David Zwirner Gallery

Il nuovo Gilder Center completa l’American Museum of Natural History di New York con l’architettura sorprendente di Jeanne Gang e vetri a prova di volo d’uccello

Kenneth C. Griffin Exploration Atrium. Photo by Alvaro Keding. All images © AMNH

Disegnato dall’interno verso l’esterno, il Gilder Center, un nuovo edificio che completa e migliora lo storico complesso dell’American Museum of Natural History di New York City, ha un’architettura meravigliosa e sorprendente. Con interni che sembrano caverne erose dal vento e scavate dal fluire e defluire delle maree, disegnati dallo Studio Gang di Chicago, ospita collezioni di ogni tipo, oltre ad una biblioteca, ad un alveare interattivo e un vivaio di farfalle.

All’esterno le linee curve delle pareti in granito rosa di Milford (lo stesso usato nell’ingresso principale del museo) incontrano le ampie finestre, spesso racchiuse in cavità irregolari e avvolgenti. Ma soprattutto il vetro è stato studiato per evitare le collisioni con gli uccellini.

Lo Studio Gang, fondato dall’architetto di Chicago Jeanne Gang, che si era già fatto notare fin dai suoi esordi per l’Aqua Tower della downtown Chicago (il palazzo oltre al magnifico design è stato l’edificio più alto del mondo progettato da una donna, superato nel 2020 dal vicino St. Regis sempre firmato dallo Studio Gang). E con il Gilder Center tocca vette di inventiva visionaria e pragmatismo progettuale. La nuova sede del museo, infatti, è una vera e propria scultura, pensata per instillare nei visitatori la voglia di esplorare l’edificio e la collezione. Oltre a proiettarsi e giocare con il verde del parco antistante in maniera armoniosa. Ma soprattutto, la sede museale corregge dei problemi di comunicazione tra i vari edifici (ne collega ben 10 tra loro, stabilendo dozzine di nuovi percorsi), che costituiscono il campus del museo e rende più facile alle persone spostarsi da una parte all’altra. Cosa non da poco sulle distanze del complesso che costituisce l’American Museum of Natural History (riempie 4 isolati e comprende più di 25 edifici accumulatisi in oltre 150 anni).

Del resto, il solo Gilder Center si estende su 5 piani e occupa più di 70mila metri quadri di superficie. Con ampie sale espositive, una biblioteca dal design particolare (l’effetto è quello di consultare libri sotto un enorme fungo), un teatro e un luminoso atrio. Oltre a percorsi curvilinei sempre nuovi.

“L'architettura- ha detto Jeanne Gang- attinge al desiderio di esplorazione e scoperta che è così emblematico della scienza e anche una parte così importante dell'essere umano".

E all’interno del Gilder Center da esplorare c’è parecchio. Tanto per cominciare, la bellezza di circa 4 milioni di fossili, scheletri e altri oggetti. Le immancabili attrazioni didattiche interattive (qui, tra l’altro, c’è un enorme alveare digitale). Un lnsettario, che conta una dozzina di specie d’insetti vivi e “una delle più grandi esposizioni al mondo di formiche tagliafoglie vive- scrive il museo- con un'area di foraggiamento, un ponte sospeso trasparente e un giardino di funghi dove puoi osservare come questa colonia di formiche lavora insieme come un ‘superorganismo’”. Ma soprattutto il vivaio delle farfalle, con le piante esotiche e il microclima tropicale che ospita mille insetti dalle ali multicolore. 80 specie di farfalle diurne e un ambiente a parte per le falene (tra cui la falena atlante, uno dei più grandi insetti del pianeta). Più una nursery con bruchi e crisalidi.

Il Gilder Center è stato realizzato con calcestruzzo proiettato, una tecnica usata di solito per le infrastrutture in cui il calcestruzzo viene spruzzato direttamente sulle armature (modellate digitalmente e piegate su misura).

Le vetrate, invece, sono in fritted glass, un materiale poroso, translucido che tende a non abbagliare e riduce i costi energetici. Ma soprattutto un tipo di vetro che gli uccelli dovrebbero individuare riducendo drasticamente la possibilità che si uccidano sbattendoci contro in volo.

The Gilder Center. Photo by Iwan Baan

The Kenneth C. Griffin Exploration Atrium. Photo by Iwan Baan

Il secondo piano della Louis V. Gerstner, Jr. Collections Core. Photo by Iwan Baan

Collegamenti al ponte del quarto piano. Photo by Iwan Baan

The Hive nello Susan and Peter J. Solomon Family Insectarium. Photo by Alvaro Keding

Un punto di  osservzione delle farfalle nello Davis Family Butterfly Vivarium. Photo by Denis Finnin