Kim Tschang-Yeul, il grande pittore coreano che per 48 anni ha dipinto solo gocce d'acqua

Kim Tschang-Yeul, (2011), oil on canvas, 15 by 17 3/4 inches. Image via Sotheby’s

Kim Tschang-Yeul, (2011), oil on canvas, 15 by 17 3/4 inches. Image via Sotheby’s

Kim Tschang-Yeul considerato uno dei padri dell’arte coreana contemporanea per tutta la vita ha dipinto solo gocce d’acqua. La serie di questi dipinti si chima proprio così “Water Drops”. Se n’è andato lo scorso gennaio a 91 anni dopo averne dedicato complessivamente 48 a una riproduzione meticolosa di minuscole lacrime di liquido incolore. Lo sfondo era spesso astratto ma quando si trattava della forma, cui aveva dedicato la sua poetica, diventava un pittore iperrealista.

Non si perdeva mai d’animo, e le sue gocce d’acqua cambiavano di composizione in composizione. Fedele ai principi del buddismo zen, che considerano l’acqua un elemento che non dà e non si aspetta nulla, sovrapponibile perciò alla “bontà suprema”. Il suo obbiettivo era diluire, attraverso la pratica paziente della pittura iperrealista, il suo ego in quelle che si potrebbe dire considerasse minute pozze d’eternità. Di certo specchi di se e dell’ambiente che lo circondava. Giocando poeticamente la partita del suo lavoro tra risonanze personali e riflessi universali.

"È una tendenza che sembra unire molte delle avanguardie coreane che hanno aderito ad Art Informel nei primi anni '60, tra cui Ha Chong-Hyun e Park Seo-Bo- scrive in un testo la studiosa Cleo Roberts- In questa generazione di artisti c'è una devozione ritualistica per una forma, un processo e, a volte, un colore scelti. Si potrebbe azzardare che, nel contesto della vita in un paese instabile devastato dalla guerra, la sicurezza dell'immersione in una modalità singolare fosse una scelta di potere e potrebbe essere stato un contrappunto psicologico necessario."

Nato nel ‘29 al nord, in una Corea unita, figlio di una casalinga e di un funzonario del Ministero dell’agricoltura, scappò al sud dove frequentò l’università per sfuggire al Comunismo. Ma i suoi studi vennero interrotti dalla guerra. L’ultima tappa di questa diaspora all’interno del suo paese natale lo vide rifugiato sull’Isola di Jeju, dove ora si trova il Kim Tschang-Yeul Museum of Art, che ne ricorda e onora l’opera. Ma appena fu possibile si spostò prima negli Stati Uniiti e poi in Francia.

Ed è proprio in Francia, nel 1972, che dipinse la sua prima goccia d’acqua. Nel suo studio delle tele si erano inumidite e lui creò Événement de la nuit, in cui campeggia una sola grande lacrima su fondo nero, che riflette la luce della luna.

Di lì ha continuato a dipingere gocce d’acqua. Ha spesso, persino, creato macchie d’umidità, bagnando con una tecnica particolare il retro della tela, in maniera da dare ancora più enfasi al soggetto.

"Per me - ha detto all'agenzia di stampa Yonhap nel 2016 - pensare a trasparenti gocce d'acqua, è un modo di far sparire le cose brutte. Ho dissolto e cancellato ricordi orribili dipingendole innumerevoli volte".

Kim Tschang-Yeul e le sue gocce d’acqua saranno in mostra a Londra dal 4 marzo. Ma è possibile approdondire la propria conoscenza dell’artista coreano anche osservando un più ampio numero di sue opere su Artsy.

(1986), oil on canvas, 63 1/2 x 51 3/8 inches. Image via Christie’s

(1986), oil on canvas, 63 1/2 x 51 3/8 inches. Image via Christie’s

Detail of “Waterdrops” (1985), oil and Indian ink on canvas, 76 3/4 x 63 3/4 inches. Image via Almine Rech

Detail of “Waterdrops” (1985), oil and Indian ink on canvas, 76 3/4 x 63 3/4 inches. Image via Almine Rech

“Waterdrops” (1979), oil on canvas, 102 x 76 3/4 inches. Image © The Estate of Kim Tschang-Yeul, courtesy of the estate and Almine Rech, photo by Rebecca Fanuele

“Waterdrops” (1979), oil on canvas, 102 x 76 3/4 inches. Image © The Estate of Kim Tschang-Yeul, courtesy of the estate and Almine Rech, photo by Rebecca Fanuele

“Waterdrop” (1974), oil on canvas, 17 3/4 x 16 1/8 inches. Image © The Estate of Kim Tschang-Yeul, courtesy of the estate and Almine Rech, photo by Rebecca Fanuele

“Waterdrop” (1974), oil on canvas, 17 3/4 x 16 1/8 inches. Image © The Estate of Kim Tschang-Yeul, courtesy of the estate and Almine Rech, photo by Rebecca Fanuele

“Waterdrops” (1986), India Ink and oil on canvas, 32 1/2 x 32 1/2 inches. Image © The Estate of Kim Tschang-Yeul, courtesy of the estate and Almine Rech, photo by Rebecca Fanuele

“Waterdrops” (1986), India Ink and oil on canvas, 32 1/2 x 32 1/2 inches. Image © The Estate of Kim Tschang-Yeul, courtesy of the estate and Almine Rech, photo by Rebecca Fanuele

Kim Tschang-Yeul, Événement de la nuit (1972). Oil on linen. 50 x 50 cm. Courtesy Tina Kim Gallery. Image via Ocula

Kim Tschang-Yeul, Événement de la nuit (1972). Oil on linen. 50 x 50 cm. Courtesy Tina Kim Gallery. Image via Ocula

La pittura iperrealista e surreale di Markus Åkesson che dipinge figure completamente coperte di stoffe decorate

“Now you see me (Blue and Gold Kimono)” (2019), oil on canvas, 180 x 140 centimeters All images © Markus Åkesson

“Now you see me (Blue and Gold Kimono)” (2019), oil on canvas, 180 x 140 centimeters All images © Markus Åkesson

Pittore e scultore, l’artista svedese Markus Åkesson, fa soprattutto ritratti. Decoratissimi ritratti, iperrealisti e surreali a un tempo, tanto che in una delle sue ultime serie i soggetti non si vedono più, coperti come sono da stoffe stampate. I tessuti li vestono dalla testa ai piedi, come rampicanti ostinati. Ne’ i capelli, ne’ le mani si salvano.

D’altra parte i personaggi che entrano a far parte di questi quadri non ci tengono a lasciar trapelare la loro identità. Ammesso che ne abbiano una. Incerti come sono sulla loro identità che in parte ne fa dei modlelli, in parte fantasmi oppure mummie. E preferiscono mostrare uno chinz in cui i motivi decorativi si ripetono all’infinito, piuttosto che la loro natura e il loro aspetto.

A volte i loro abiti sono uguali alla tappezzeria alla parete, oppure al colore del muro dietro di loro. Altre sono complementari. Tuttavia, a differenza dei veri e propri ritratti ( Åkesson fa anche quelli) in cui decori, ricchi e ridondanti, arrivano a scontrarsi nei motivi e nei colori, in questa serie c’è un certo fair play. I soggetti dal canto loro, appaiono statici ma non immobili. Qualcosa da un momento all’altro può succedere ed è impossibile prevedere di cosa si tratterà. Anche perché lo spettatore ha l’impressione di spiare qualcuno che non ha ancora percepito la sua presenza, ma è lì lì per coglierlo con le mani nel sacco.

Le figure silenziose e avvolte dalla stoffa dalla testa ai piedi sono inquietanti. Potrebbero essere apparizioni, o persone molto diverse da quelle che ci sembra di distinguere guardando le formet disegnate nel essuto.

Quando si mette al lavoro, Åkesson, prima di tutto progetta motivi di fiori e foglie, o ne riprende di tradizionali. Dopodiché stampa il tutto su tessuto, per poi avvolgere il modello (ma più spesso la modella) e mettersi a dipingere.

"Sono sempre stato interessato agli schemi- ha spiegato al blog Colossal Markus Åkesson -sono attratto dalla ripetizione e dal ritmo".

Le opere che compongono quest’inquietante ed affascinante serie di Markus Åkesson si possono vedere anche sull’account instagram dell’artista.

“Now you see me (Dysmorphia 10)” (2018), oil on canvas, 145 x 100 centimeters

“Now you see me (Dysmorphia 10)” (2018), oil on canvas, 145 x 100 centimeters

“The Grove” (2020), oil on canvas, 180 x 140 centimeters

“The Grove” (2020), oil on canvas, 180 x 140 centimeters

“Now You See Me” (2019), oil on canvas, 180 x 140 centimeters

“Now You See Me” (2019), oil on canvas, 180 x 140 centimeters

La pittura iperrealista di Antonio Santín minuta e dettagliata come la tessitura di tappeti persiani

All images © Antonio Santín

All images © Antonio Santín

Antonio Santín dipinge tappeti. Sempre e solo tappeti, con una pittura iperrealista talmente dettagliata da rendere impossibile all’osservatore distinguerla da una tessitura.

Di lui avevo già parlato ma le sue nuove opere sono ancora più complesse. I tappeti sono molto spiegazzati, le frange ancora più lunghe e mosse. La sensazione è quella di trovarsi di fronte a veri tappeti appesi a parete. Ed avvicinandosi, di più e di più, fin quasi a toccare la tela con il naso, l’impressione non cambia. La tessitura è dettagliata e i fili sembrano in rilievo.

Antonio Santín ha spiegato che ultimamente si è concentrato sul "rilievo scultoreo che va oltre la sensazione del ricamo". E di essersi inventato una tecnica che gli permette di arrivare non solo a ingannare l’occhi ma anche a indurre una sensazione tattile.

"Per raggiungere questo livello di complessità- ha detto- ora uso macchinari pneumatici. Quando l'aria compressa spinge la pittura ad olio all'interno di una cannuccia, un filo sottile fuoriesce da una punta fine. Controllando la velocità dell'output e il modo in cui viene applicato sulla tela, è possibile modellare la pittura ad olio in filigrane complesse. Successivamente, applico una vernice a olio scura, che non solo produce il chiaroscuro che crea il trompe l'oeil, ma funge anche da patina che evidenzia tutto il rilievo scultoreo del dipinto".

Antonio Santín è spagnolo ma la sua pittura iperrealista adesso avrebbe dovuto essere in mostra al Nassau Country Museum of Art (Stati Uniti). che però è ancora chiuso per l’emergenza COVID 19. Tuttavia l’artista condivide tutte le opere sull’account Instagram. (via Colossal)

“Música Ligera” (2020), olio su tela

“Música Ligera” (2020), olio su tela

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